秒速5センチメートル Byōsoku go senchimētoru (Cinque centimetri al secondo) è il film che ha fatto conoscere in Italia il regista Makoto Shinkai, da qualcuno già nominato in Giappone come l’erede del maestro Hayao Miyazaki.

Il film è uscito nel 2007 in Giappone ed è arrivato in Italia nel 2010 sotto forma di DVD prodotto dalla casa di distribuzione francese Kazé. Grazie a Nexo Digital è stato proiettato al cinema nelle sale italiane il 13, 14 e 15 maggio 2019.

(((Attenzione spoiler!)))

Questo anime è diviso in tre episodi che accompagnano la crescita dei due protagonisti, Takaki Tōno e Akari Shinohara, dall’infanzia all’adolescenza fino all’età adulta.

«Sai…è di cinque centimetri al secondo»

«Cosa?»

«La velocità con cui cadono i fiori di ciliegio».

In questo breve dialogo tra i due ragazzi è racchiusa la spiegazione del titolo del film. 
Cinque centimetri al secondo si riferisce infatti alla velocità con la quale cadono i petali di fiore di ciliegio durante la primavera, un simbolo a volte usato nel film e che si collega al legame tra i due protagonisti. Amori e rimpianti accompagnano i protagonisti verso la fine della giovinezza, effimera come i fiori di ciliegio.

La delicatezza dei ciliegi, il loro colore pallido, la brevità della loro esistenza, sono per i giapponesi il simbolo della fragilità, ma anche della bellezza dell’esistenza. Sono sentimenti che condizionano la vita di tutti, anche se gli occidentali non sono abituati a questa misura, visto che parlano solo in chilometri orari e non hanno mai “perso” tempo a guardare un ciliegio che sfiorisce.

Un’amicizia romantica

La storia ha inizio fra i petali di ciliegio, filtrati dallo sguardo splendidamente puro dei bambini, che sostano sotto gli alberi, mentre la pioggia ne fa cadere i petali e loro ne misurano la velocità.

«Vedi? Sembra quasi neve, non ti pare? Spero che anche l’anno prossimo potremmo guardare i fiori insieme».

Dall’esterno tutto sembra fluido, uno scorrimento naturale, come la vita dei due amici, ma le atmosfere si fanno cupe in contrasto con i colori pastello dell’infanzia, quasi a preannunciare l’imminente separazione tra i due.

Il tempo diventa presto nemico, il caso e la lontananza portano un vento che trascina via lettere colme di parole, consegnandole al silenzio.

I tre episodi, in cui il film è suddiviso, raccontano tre momenti diversi della vita di Takaki e Akari.

Episodio 1 – Ōkashō (“Fiori di ciliegio”)

Il primo episodio presenta immagini tratte da un universo onirico, che appare più come configurazione di una dimensione interiore, dove la vita desiderata prosegue il suo corso, indipendentemente da quella reale.

Storie di appuntamenti mancati e di rimpianti, di ostacoli che rendono un amore impossibile o forse lo incrementano, trasportandolo nella dimensione del sogno.

Dopo aver concluso le scuole elementari, i due amici per la pelle sono costretti a separarsi. Akari infatti si sposta nella prefettura di Tochigi e Takaki va in una scuola di Tokyo.

Continuano così a scriversi lettere, ma quando Takaki apprende di doversi trasferire di nuovo, stavolta nella lontana Kagoshima, capisce che ha solo un’ultima possibilità di vedere Akari prima di partire. Fissa quindi un appuntamento con lei e decide di raggiungerla in treno, nonostante il tragitto sia complesso e debba cambiare linea e carrozza più volte.

Per via della neve però ritarda l’arrivo di diverse ore. Quando stremato e affranto arriva a destinazione, a notte fonda, pensa che Akari ormai se ne sia andata. Proprio quando sta per cedere alla disperazione, trova però la ragazza ad attenderlo. I due, dopo un bacio pieno d’amore, passano una notte insieme, dopodiché le loro strade il mattino seguente tornano a dividersi.

Episodio 2 – Cosmonaut (“Cosmonauta”)

Il secondo episodio vede Takaki già al terzo anno delle superiori. 
In questa seconda parte i contatti tra i due ragazzi sono interrotti. Il protagonista infatti continua a scrivere mail sul suo cellulare dirette in modo più che evidente ad Akari, ma non le invia mai a nessuno.

La sua compagna di scuola, Kanae Sumita, è particolarmente interessata a lui e, sebbene sia molto timida, fa di tutto per stargli accanto tentando inutilmente di confessargli il proprio amore.

Una sera, proprio quando sente finalmente di poter esprimere i propri sentimenti al ragazzo, osservando un razzo per lo spazio partito dalla vicina base militare, Kanae si rende conto che Takaki è in realtà innamorato di un’altra ragazza. Per questo sembra sempre perso ad osservare l’infinito; quei cieli senza fine, così magistralmente dipinti da Shinkai, sembrano inghiottirlo nel loro silenzio cosmico. La giovane reprime quindi i suoi sentimenti e rinuncia alla sua dichiarazione d’amore.

Episodio 3 – Byōsoku 5 Centimeter (“5 centimetri al secondo”)

L’ultimo e più breve episodio vede Takaki e Akari ormai adulti. Lui si trova a Tokyo come programmatore di computer e gira per la città con un’espressione malinconica. Anche Akari vive a Tokyo e lui la pensa continuamente, incapace di farsi una propria vita.

Fatalmente i due si intravedono per un solo istante ad un passaggio a livello, ma entrambi sanno che ormai è troppo tardi per loro. È tempo di proseguire su strade diverse, anche se contemporaneamente pensano la stessa frase:

«Ieri ho fatto un sogno. Ho sognato un tempo lontano; in questo sogno noi due avevamo tredici anni. Là in un grande prato coperto di neve, si vedevano solo le luci di qualche casa sparsa qua e là. Intorno c’erano solo le tracce dei nostri passi sulla neve fresca e così eravamo tutti e due sicuri che un giorno, avremmo rivisto insieme i ciliegi in fiore».

 

Tutto in una canzone

Un lungo e struggente flashback accompagna il ricordo felice dei giorni vissuti insieme, ma che ormai appartengono al passato.

Montato come un video musicale sulle note della canzone One more time, one more chance, del cantante giapponese Masayoshi Yamazaki, il flashback tratta il tema della giovinezza e dell’amicizia perduta e resta forse il pezzo più forte di tutto il film.
È un racconto intenso e toccante che, con estrema delicatezza, ma senza illusioni, dipinge la difficile lotta delle emozioni contro il tempo e la distanza.

Il coinvolgimento emotivo

Un anime lento, che preferisce le sfumature ai colpi di scena; pochi dialoghi che tendono a lasciare spazio alla voce interiore dei personaggi, quasi sempre avvolti nella solitudine dei loro pensieri.
I lunghi silenzi sono accompagnati da immagini eccezionali realizzate con grande maestria, attraverso una tecnica molto innovativa che rielabora digitalmente i disegni tradizionali di un’inedita purezza, creando atmosfere quasi surreali.

L’attenzione del regista è orientata all’investigazione delle distanze spaziali e temporali e alla risonanza che questi possono avere sui rapporti umani. Questi, per quanto siano saldi, finiscono per mostrarsi in tutta la loro fragilità di fronte alle forze maggiori.

È un film che lascia sicuramente un senso di profonda tristezza e malinconia, quasi di amarezza. In questo modo sfugge alla banale soluzione di un lieto fine, creando una storia che, seppur con estrema delicatezza, si avvicina alla vita mostrandone luci ed ombre. Le difficoltà e le paure adolescenziali, il rifiuto di accettare i cambiamenti e l’incapacità di gestire le emozioni senza farsi travolgere sono alla base di questa storia.

Ogni dettaglio del film è seguito e creato con particolare cura, dai fondali alla trama, dalla musica ai sentimenti, tutto per creare un perfetto connubio degno dei migliori film d’autore.

La storia trasmette delle emozioni intense e reali e la grafica è sostenuta da un’ottima scelta musicale, sia dal punto di vista della realizzazione tecnica che dal contenuto. Un anime intenso e sensibile allo stesso tempo.

Il punto di forza del regista

Makoto Shinkai l’ha realizzato quasi esclusivamente da solo; si è occupato della regia, della sceneggiatura, dei disegni e del montaggio, orchestrando perfino quella musica che poeticamente accompagna le immagini.

Dopo il successo ottenuto con questo lungometraggio animato, Shinkai ne ha ricavato una trasposizione letteraria con il suo stile delicato e profondo. Il romanzo è uscito in Italia ad aprile 2017 edito da J-pop. Anche il manga di due volumi, disegnato da Yukiko Seike, che la Star Comics ha pubblicato in Italia, rende in modo efficace il messaggio dell’autore.

万引き家族 Manbiki kazoku (Un affare di famiglia) di Hirokazu Kore-eda, è il film che nel 2018 ha vinto a Palma d’oro Cannes.

Il regista giapponese è il maestro dei rapporti famigliari ed era già stato molto apprezzato nel 2013 vincendo il Premio della giuria a Cannes con il suo Father & Son.

Anche in questa sua ultima opera al centro c’è una famiglia con dei componenti particolari: infatti queste persone, segnate da un doloroso passato, si sono conosciute un po’ per caso e un po’ per scelta e si sono assegnate dei ruoli e dei compiti che vanno al di là di ogni regola civile e di ogni convenzione sociale.

Sono quindi una famiglia? Ma cos'è una famiglia? Quando si è davvero una famiglia? Conta di più il legame di sangue o la scelta di affetti?

Il regista sembra avere le idee chiare a tal proposito e senza voler insegnare niente, riesce a mostrare quanto sia difficile catturare la verità nei fatti che veniamo a sapere o che ci sono raccontati, spiazzando e ribaltando ogni pregiudizio. Il film è un girotondo di sentimenti forti, di difficoltà economiche però mai drammatizzate, di momenti familiari spensierati e commoventi, soprattutto due: i fuochi d’artificio osservati con aria sognante da tutta la famiglia insieme e la scoperta del mare negli occhi dei bambini.

Inevitabilmente ci sono situazioni che suscitano perplessità ma che alla fine fanno riflettere con un sorriso, come quando un padre seppur inadeguato riceve uno sguardo affettuoso o quando una nonna morente sussurra al vento il suo “grazie” a quella che per lei è la sua famiglia.

Anche se cinematograficamente il tempo è scandito dalla vita all’interno della casa e dai suoi riti quotidiani, quello che costruisce la trama è il tempo dei sentimenti, quelli veri; quelli che in questa famiglia strampalata abbondano, quelli che sono alla base di questo nucleo costruito con una naturalezza che offusca la realtà e avvolge tutto, anche le imperfezioni, con il bisogno di amare.

Da appassionata del Giappone non posso che essere felice ogni volta che ho l'opportunità di condividere qualcosa a riguardo.

Ad ottobre 2023 sono andata al cinema a vedere Asadake: Foto di famiglia, una toccante storia che affronta, da un punto di vista inedito, il tema sentito in Giappone del terremoto del 2011, focalizzandosi sul lato umano di quella terribile tragedia.

Un tempo i film giapponesi si limitavano a poche uscite e proiezioni ai grandi festival internazionali, ma in tempi recenti le opportunità sono per fortuna aumentate.

La storia si focalizza sulla famiglia Asada, un gruppo unito e affiatato dove ognuno ha il suo sogno segreto da realizzare.

Per esempio Masashi, il più creativo fra loro, si dedica anima e corpo alla fotografia. Un giorno ha la brillante idea di mettere la sua famiglia al centro della sua passione, scattando una serie di momenti felici che rappresentano tutto il gruppo riunito in diverse situazioni e suggestioni. Ispirandosi ai sogni di ognuno di loro e non solo, colloca così i suoi congiunti in ritratti che ricreano quelle vite che non hanno potuto vivere.

Masashi Asada - Image credit: cineblog.it

"Se potessi scattare solo un'altra foto per il resto della tua vita, quale sarebbe?"

L’attore Kazunari Ninomiya, nel ruolo di Masashi, è capace di mantenere un grande equilibrio nel trasmettere empatia allo spettatore e allo stesso tempo lo rende testimone del suo  viaggio emotivo.

Particolare è l’approccio del regista Ryōta Nakano che, in modo intimo e umano, aggiunge qualcosa di nuovo e prezioso al tema dei sogni mancati, facendo comprendere più in profondità ciò che il terremoto ha rappresentato per i singoli abitanti del Sol Levante.

Il modo di narrare il dramma del sisma è diverso ed originale perché si fonda sul valore incommensurabile della fotografia che ritrae i legami familiari e i loro momenti forse più intimi.

Il potere delle fotografie di preservare i ricordi è grande:

le immagini immortalano il momento e le persone, raccontando il tempo che passa. Tuttavia le foto di Masashi non sono semplici istantanee, bensì prodotti di un’intuizione folgorante: fotografare ciò che non è ancora accaduto e che forse non accadrà mai, ma che porta attimi di felicità vera e intensa.

Image credit: cineteleandco.fr

Il film valorizza i frammenti di ricordi fotografici e analizza l’elaborazione di un trauma che lascia ancora una ferita aperta nel Giappone. Tutta la storia descrive una realtà quotidiana e al contempo straordinaria che coinvolge nel divertimento e nella commozione.

Foto di famiglia lancia il messaggio della solidarietà e della gioia condivisa soprattutto nel momento del bisogno, anche di fronte a delle difficoltà più grandi di noi.

Di tutte le opere del Maestro Hayao Miyazaki, La città incantata, premiato con L'Orso d'oro a Berlino nel 2002 e con l'Oscar nel 2003, è sicuramente quello più memorabile.

Ci tengo a parlarne in modo dettagliato perché, non solo è tra i miei preferiti, ma mi ha dato modo di apprezzare tanti aspetti della cultura giapponese. Quindi per chi non l’avesse ancora visto, il mio consiglio è quello di farlo prima di leggere questo post perché contiene SPOILER!

La città incantata racconta di Chihiro, una ragazzina di dieci anni, capricciosa e testarda, convinta che l'intero universo debba sottostare ai suoi bizzarri voleri. Quando i suoi genitori decidono di traslocare, la bambina non fa nulla per nascondere la sua rabbia, ma sulla strada che li porta alla nuova casa sono costretti a fermarsi davanti ad un tunnel che somiglia ad una gigantesca bocca.

La curiosità spinge tutti e tre ad addentrarsi a piedi nella galleria, anche se Chihiro è molto riluttante. Ben presto si ritrovano in una città fantasma, composta quasi interamente da ristoranti e locali deserti ma dove abbondano gustose pietanze. 

Senza chiedere il permesso e senza pensarci un attimo, i genitori si gettano famelici sul cibo e questo gesto precipitoso li trasforma però in maiali sotto gli occhi della figlia, mentre si ingozzano in maniera irrefrenabile. Nella filosofia buddista il maiale è l'animale che rappresenta l'ignoranza.

Image credit il cineocchio.it

Rimasta sola Chihiro si rende conto ben presto di essere in un mondo abitato da antiche divinità ed esseri magici, governato dalla strega malvagia Yubaba. Apprenderà così che i nuovi arrivati nella città vengono trasformati in animali prima di essere uccisi e mangiati, mentre coloro che riescono a sfuggire a questo tragico destino saranno condannati all'annientamento se verrà dimostrato che non servono a nulla. Per salvare i suoi genitori, ritardare il più possibile il terribile giorno della resa dei conti e sopravvivere in questo mondo strano e pericoloso, Chihiro dovrà rendersi utile e lavorare nel complesso termale dove incontrerà numerosi e particolari ospiti in un ambiente favoloso e onirico che emoziona e incuriosisce.

Image credit leganerd.com

La ragazzina dovrà rinunciare alla sua pigrizia, ai suoi capricci e a molte altre cose; dovrà cambiare il suo carattere, il suo modo di pensare e persino il suo nome. Tutti i lavori a cui viene sottoposta durante la sua permanenza alle Terme, costituiscono il suo percorso, che non è di crescita ma di cambiamento: da bambina annoiata e disinteressata, diventerà curiosa, forte, tenace, volenterosa e rispettosa dell’ambiente.

Il regista si rivolge alla fascia di età dai nove agli undici anni, a volte vista solo attraverso gli occhi e i desideri degli adulti e mai attentamente alle loro problematiche reali.

Miyazaki capovolge l’idea che si ha sull’animazione destinata ai bambini. A chi li crede incapaci di capire la complessità della vita lui contrappone la sua fiducia nella loro capacità di afferrare concetti basilari senza troppe spiegazioni. 

Per esempio non definisce i personaggi malvagi totalmente negativi, ma offre sempre una motivazione alla loro cattiveria.

Nel pensiero giapponese infatti non c’è l’idea di un Bene e di un Male assoluti in costante antagonismo.

Per questo, pur rendendoli riconoscibili dall’aspetto fisico volutamente esagerato, Miyazaki offre una spiegazione al loro comportamento, poiché anche nella malvagità c’è sempre una ragione che scatena una reazione e, quando cambiano determinate circostanze, sicuramente cambia pure il modo di fare del cattivo.

Ne La città incantata, la strega Yubaba, che pensa solo ai soldi e ad avere il controllo su tutto, è avida e arrogante, ma perde tutta la sua prepotenza davanti al figlio, un grande mostruoso neonato che vive rinchiuso in una camera stracolma di giochi.

La differenza tra la donna di affari che gestisce al meglio le Terme e la madre amorosa è enorme e veloce.

Nella sequenza in cui Yubaba si rassegna a prendere Chihiro al suo servizio, la donna riesce a parlare alla ragazzina con tono sprezzante e allo stesso tempo a sussurrare parole affettuose al figlio.

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Al contrario sua sorella gemella Zeniba, vive ritirata in una casa di campagna e la sua personalità è unica, solida e compatta.

Bada agli aspetti semplici ma essenziali della vita e le persone stanno bene accanto a lei perché si sentono utili piuttosto che sfruttate.

Se Yubaba rappresenta la realtà della maggior parte delle persone obbligate a dividere la vita professionale da quella privata, Zeniba incarna ciò che quasi tutti vorrebbero essere e di come desidererebbero vivere. Attraverso le due gemelle vengono proposte le due identità dell’umanità: la voglia di successo e ricchezza e la ricerca della serenità interiore.

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La capacità di Miyazaki è quella di osservare la realtà e riprodurla in modo simbolico e universale. 

Un’altra caratteristica dei suoi film sta nel delineare le figure femminili. Gran parte di loro sono ragazzine o donne che mandano avanti città intere ed emergono come forza trainante della società. Sono spesso le donne quelle che gestiscono le situazioni più difficili e complicate; sono le figure femminili che, al contrario degli uomini, riescono ad entrare in collegamento con la natura e a comprenderne la forza o la magia. Non occorre però essere un guerriero per essere intrepidi e non occorre essere una donna per rinunciare alla lotta.

Le donne di Miyazaki non cercano mai la prevaricazione sugli uomini: primeggiano per la loro autorità, la loro dolcezza o le loro capacità, emergono senza forzature perché sono esseri umani e, come tali, si impongono per le loro caratteristiche naturali.

Il regista vuole realizzare qualcosa di universale che arrivi anche alle future donne. Qualcosa a cui le bambine possano pensare e fare riferimento quando immaginano il loro futuro e i loro rapporti con la società; per questo motivo molte di loro sono protagoniste dei suoi film.

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Ne La città incantata è particolarmente affascinante Kaonashi, la divinità vagabonda del “senza volto”, che non ha nessun riferimento con la tradizione giapponese. Attraverso lui, Miyazaki intende rappresentare il Giappone contemporaneo, quello dove in molti sono convinti che i soldi bastino ad assicurare la felicità. La divinità si trova alle Terme, un luogo in cui Miyazaki immagina si rechino sia gli uomini che gli dei perché presuppone che le divinità del folklore giapponese, proprio come gli uomini d’affari, abbiano bisogno di rilassarsi in acque calde.

Il loro percorso termale viene proposto attraverso un universo sorprendente e a tratti cupissimo, trasmettendo sensazioni forti ma anche insegnamenti necessari. Naturalmente gli dei desidererebbero rimanere più a lungo immersi in quel tepore, ma sono costretti ad uscire quando si conclude il fine settimana perché, come gli uomini di oggi, sono indaffarati e devono riprendere le loro attività.

Kaonashi si trova lì ed elargisce continuamente oro con le sue mani a tutti gli schiavetti rana che si accalcano e si calpestano pur di ottenerlo; accecati dalla ricchezza e dal potere dei soldi, si picchierebbero e si ammazzerebbero per possederne la maggior quantità possibile.

Hanno solo quello in testa, non gli interessa altro. Il “senza volto” ha però un’altra caratteristica, ovvero mangia qualsiasi cosa ed ha sempre fame, è inarrestabile e quindi arriva a mangiare anche gli schiavetti rana. Miyazaki vuol far capire che inseguendo continuamente la ricchezza, tanto da esserne ossessionati senza pensare al resto, si può anche essere divorati dalla stessa fonte che la produce.

Kaonashi cerca di conquistare anche Chihiro con dell’oro, ma a lei questo non interessa perché vuole solamente salvare i suoi genitori.

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Il “senza volto”, abituato ad ottenere sempre tutto resta così spiazzato, non capisce come conquistare la bambina e quindi impazzisce e si infuria. Non è però del tutto malvagio e si calmerà quando Chihiro, capendo la solitudine della divinità causata dal suo eccessivo potere a discapito di ogni sentimento, gli consentirà di prendere insieme a lei il suggestivo treno sull’acqua per condurlo da Zeniba e trovargli finalmente un posto tranquillo dove stare per meditare.

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Il regista dimostra ancora una volta che la ricchezza non è tutto nella vita, che ci sono altri aspetti molto più importanti, come i sentimenti, la gioia delle piccole cose, il senso del sentirsi utili, ma anche l’ecologia ed il rispetto dell’ambiente.

Miyazaki popola di creature divine i luoghi meravigliosi in cui svolge le sue storie: sono la cornice ideale per dichiarare che la natura è sacra e di conseguenza condannare la sua profanazione.

A questo proposito introduce quindi alle Terme il personaggio di Okusare-Sama, un demone dal cattivo odore (Kusare in giapponese significa marcio), un mostro sporco e puzzolente che pretende di essere lavato. Una sorta di macchia gigante che nessuno vuole pulire per ribrezzo; solo Chihiro trova questo coraggio.

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Sotto la melma il demone è composto da lavatrici, frullatori, forni, televisori, tutti elettrodomestici e pezzi di metallo: questi elementi rappresentano il marcio del Giappone, ovvero l’inquinamento e il consumismo. Quando la bambina finirà di pulirlo, scoprirà che sotto tutta quella sporcizia e ammasso di elettrodomestici, c’era lo spirito di un fiume che era stato precedentemente inquinato.

Ora finalmente si rivela la parte pulita del Giappone: fiumi incontaminati, bellissimi e perfetti, quella parte del Paese che dovrebbe sempre essere pulita e preservata, nonostante tutti gli elementi che rappresentano il progresso.

Anche Haku, un bambino che accompagna ed aiuta Chihiro durante la sua permanenza alle Terme, ha a che fare con la natura. Sottomesso a Yubaba, ne esegue gli ordini segreti trasformato in dragone, ma ha perduto la sua identità, non sa più chi è e questo lo ha portato a perdere anche la sua libertà. Durante un volo sul dorso del dragone, Chihiro ricorda un evento infantile: da piccola era stata salvata mentre stava per annegare in un fiume.

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Il suo salvatore era stato Nume Kohaku Nigihayami, il dio del fiume che lei riconosce nel suo amico Haku. Ritrovata la propria identità, il ragazzino recupera anche le fattezze umane e si libera dalla schiavitù della strega Yubaba.

Il saluto tra i due ragazzini è commovente come pure l’epilogo che vede Chihiro riunita ai genitori tornare verso l’auto all’uscita del tunnel.

Quando il film sembra terminato, bisogna aspettare i titoli di coda per cogliere ancora delle sfumature. Ѐ un aspetto dei film di Miyazaki che mi ha sempre affascinata perché il regista aggiunge quasi sempre una piccola storia utilizzando quello spazio per evitare soluzioni scontate e accompagnare gli spettatori verso l’uscita.

Il film finisce così con un tono più naturale e realistico fornendo spiegazioni o particolari della trama.

Per esempio ne La città incantata, vengono proposti i disegni preparatori dei fondali utilizzati poi per il film.

I colori più tenui e le linee sfumate che definiscono i luoghi soprannaturali riportano Chihiro  e gli spettatori alle Terme, dove la protagonista ha smesso di essere una bambina debole e capricciosa. Inoltre suggeriscono che quel mondo non è più nel presente di Chihiro, ma si conserva comunque nella sua memoria grazie al nastrino per capelli che lei ha con sé e che è stato intessuto con tanto affetto per lei dai suoi amici della città magica.

Image credit ghibli.fandom.com

Un anime che ha fatto conoscere Miyazaki in tutto il mondo e che non può essere visto una sola volta per essere compreso al meglio e apprezzato in tutte le sue sfumature.

Spesso mi identifico con il personaggio di Alice, sia per la curiosità con cui affronta la vita che per la determinazione nella ricerca di una propria dimensione.

Il suo rifugiarsi in un mondo immaginario lo intendo come una libertà creativa, una spinta a guardare tutto con occhi diversi, un punto di vista non comune, qualcosa di molto personale.

Ho letto e visto tanto su di lei, ma voglio proporre una mia analisi dei film più popolari per invogliare a riscoprire un personaggio che ha molto da dire a tutti.

((attenzione spoiler))

La versione più famosa è senza dubbio quella di Disney del 1951 che presentava la storia di Alice bambina, concentrandosi più sulla commedia, la musica e il lato originale della storia, popolata da esseri particolarmente strani, ma che dovevano rendere allegro quello che appariva come un sogno stravagante.

Per questo vennero mantenuti alcuni dei versi più fantasiosi di Carroll e composte canzoni costruite attorno ad esse per poi essere utilizzate nel film.

Furono scritte oltre trenta canzoni e molte trovarono la loro collocazione, anche se solo per pochi brevi istanti, come “La maratonda” e “La canzone dello Stregatto”.

Tra l’altro proprio il sorriso dello Stregatto di Disney è diventato un simbolo riconoscibilissimo.

Un'altra canzone divenuta molto famosa è senza dubbio"Un buon non compleanno" che ha dato il via a numerosi tea party.

"Alice in Wonderland" © Walt Disney - image credit: quidanoiblog.it

Tuttavia l’Alice bambina di Disney mi ha spinto a leggere il romanzo.

“Le avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie” fu scritto da Carroll nel 1865 e rispecchia la sua particolare visione del mondo di quell'epoca:

«Se io avessi un mondo come piace a me, là tutto sarebbe assurdo: niente sarebbe com’è, perché tutto sarebbe come non è e viceversa». 

Il romanzo può essere considerato una fiaba per la presenza di personaggi fantastici e luoghi magici.

La storia tuttavia rappresenta la metafora della vita e dei suoi cambiamenti, spesso sofferti e dolorosi, che aiutano la protagonista nel suo percorso di crescita.

Lei stessa, arrivata nel Paese delle Meraviglie, si sorprende nel dire:

«Quando leggevo libri di fiabe, mi immaginavo che fossero tutte cose mai successe, e adesso invece eccomi qui proprio nel bel mezzo di una fiaba».

La spontaneità con cui Carroll racconta, porta subito a creare un paragone tra il viaggio immaginario e una reale crescita fisica e psicologica.

Alice, come tutti i ragazzi della sua età, cerca la propria identità dove il tempo e lo spazio sfuggono alle loro leggi, liberando quella dimensione del sogno in cui tutte le aspirazioni si avverano.

Attraverso l’identificazione con Alice, ci viene trasmessa la speranza che i problemi siano risolvibili e che esista sempre la possibilità di un cambiamento.

Foto scattata dal libro Alice nel Paese delle Meraviglie & Al di là dello specchio, illustrato da MinaLima per l'editore l'Ippocampo ragazzi

Dopo aver letto il libro, sono stata molto incuriosita dal film “Alice in Wonderland” (2010) di Tim Burton.

In questa versione Alice non è più una bambina, ma una ragazza diciannovenne che torna nel Paese delle Meraviglie per sfuggire alle sue nozze programmate e alla vita ordinaria e convenzionale che l’aspetta perché altri l'hanno scelta per lei.

Già nei titoli di testa ci sono i toni gotici e visionari tanto cari al regista, che proseguono attraverso le immagini e la musica ad hoc.

Si evocano ricordi di storie horror e fantastiche; c’è inseguimento, suspense, minaccia di annientamento dei personaggi positivi, battaglia colossale e happy ending finale, per ristabilire alla fine l’equilibrio e l’armonia. 

Uno dei personaggi più belli e significativi di questa versione è senza dubbio il Brucaliffo, un grassoccio millepiedi blu che riesce sempre a mantenere la calma e che diverse volte sfida Alice a conoscersi meglio, costringendola ad affrontare la difficile ma fondamentale domanda: «Chi sei tu?», per prendere coscienza di sé stessa e di quello che veramente vuole.

Brucaliffo, "Alice in Wonderland" di Tim Burton - image credit: myliveactiondisneyproject.com

Invece la famosa frase: «Ti svelo un segreto: tutti i migliori sono matti!» aleggia per tutto il film perché il padre la ripeteva ad Alice per esorcizzare le sue visioni del Paese delle Meraviglie e darle quel coraggio e quella forza necessari a inseguire le proprie scelte, senza curarsi dei giudizi altrui.

Quando la ragazza finalmente realizzerà il sogno del padre di aprire la via dei commerci con l’Oriente, un’idea che sembrava a tutti surreale, si sentirà vincitrice. Sarà proprio il Brucaliffo, trasformato in una bellissima farfalla blu, a posarsi sulla sua spalla, confermando il nesso tra sogno e realtà a cui il tema del film allude sempre.  

Nel 2016 è uscito al cinema “Alice Through the Looking Glass” (“Alice attraverso lo specchio”) di James Bobin, sequel di “Alice in Wonderland ”.

Qui i nonsense di Carroll abbondano:

«L’unica maniera di ottenere l’impossibile è pensare che sia possibile». 

Questa trasposizione cinematografica, che però non ha nulla in comune con l’omonimo romanzo del 1871 "Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò", vede la protagonista imbarcarsi in un viaggio indietro nel tempo che la porta a scontrarsi con la personificazione del Tempo stesso, dipinto come nemico/amico.

Tutto ciò la costringe a spostarsi frettolosamente in diverse dimensioni temporali per salvare il suo amico Cappellaio Matto.

Il tentativo di modificare il passato per cambiare il corso degli eventi, è un passaggio necessario ad Alice per affrontare le proprie responsabilità e accettare il presente.

"Alice through the looking glass" di James Bobin - image credit: momastyle.com

“Alice attraverso lo specchio” si apre con l’immagine del Brucaliffo/farfalla blu che annuncia il ritorno di Alice dai suoi viaggi reali, quelli compiuti per mare con la nave del padre e ne preannuncia un altro, quello che la ragazza compirà ancora una volta nel Paese delle Meraviglie.

Alice tornerà lì apparentemente per salvare il Cappellaio, ma in realtà per sfuggire a una dolorosa scelta: per pagare i debiti contratti dalla madre, deve vendere la sua casa, simbolo di stabilità o la sua nave Wonder, che per lei rappresenta la libertà.

In tutti i suoi viaggi e le sue avventure, Alice esprime che cercare il senso della vita è un’impresa impossibile: 

«Sarebbe molto bello se per una volta una cosa qui avesse un senso».

Allo stesso tempo però lo cerca, partendo da un inizio semplice per poi lanciarsi verso eventi che vanno oltre l’immaginazione. 

Questa volta incontrerà nuovamente i personaggi surreali del Paese delle Meraviglie, in più apprenderà le storie familiari del Cappellaio e della Regina Rossa. Alice si lancerà senza indugio in una pericolosa corsa contro il tempo e riuscirà a trovare un compromesso rassicurante che darà un nuovo senso anche alla sua vita reale.

Torna infine alla realtà più matura, pronta ad affrontare con coraggio la vita, le scelte da fare e i complicati rapporti familiari.

In tutti i film, come nei libri di Carroll, Alice è un’anima indipendente che si sente intrappolata nella ristretta mentalità della sua epoca; non sa come conciliare i suoi sogni e le sue ambizioni con le aspettative delle persone che la circondano.

"Alice in Wonderland"di Tim Burton - image credit: Cinematic Artistry on Twitter

La sua esperienza nel Paese delle Meraviglie le permette di scoprirsi più sicura di sé e per questo deve trasformarsi, diventando piccola o grande, coraggiosa e intrepida; deve trovare le capacità necessarie per vincere prove quasi impossibili, alla ricerca di risposte sul proprio destino che troverà però solo in sé stessa. 

La “fiaba” di Alice rassicura e infonde speranza nel futuro offrendo sempre la promessa di un lieto fine come in tutte le fiabe, che Carroll definiva “un dono d’amore”.

Nella mia pagina Facebook Wonderland Tales ho creato un album dove ho inserito alcune foto del mio cosplay di Alice, se siete curiosi andate a vederlo! ^^